Miedo(5) a la Oscuridad

Una técnica marginada a un público infantil experimenta de buena forma con el género para adultos por excelencia.

Una animación de terror francesa que cuenta cinco peculiares y espeluznantes historias, un joven que encuentra el primer amor en la mujer equivocada, un chico pasa el verano en un pueblo donde misteriosamente la gente desaparece, una niña asiática sufre de pesadillas tras escuchar la historia de un fantasma y un hombre busca refugio del mal clima en lo que parece ser una casa abandonada, todas unidas por la macabra historia de un viejo de sonrisa demoniaca y cuatro perros gigantes, acompañado de un monologo en audio de los miedos de una mujer.

Si de por sí es difícil encontrarnos con animaciones del género del terror… es aún más difícil encontrarnos con buenas animaciones de terror, la narrativa en “Fears of the dark” está muy bien construida alrededor de las cinco historias, la animación es de muy buena calidad y el estilo (que va cambiando de historia a historia) es particularmente sobresaliente, toda la película está hecha en Blanco y negro y escala de grises, las historias en general son buenas y aunque unas pueden resultar más confusas que otras las cinco son bastante atrayentes.

Hablando un poco del género, las herramientas elementales están muy bien utilizadas, en particular en la última animación donde el instrumento del alto contraste se convirtió en toda una fórmula para transmitir un mensaje.

Adentrándonos un poco más en las historias, creo que un punto muy importante es que fueron aterrizadas con elementos muy terrenales y cotidianos para poder enganchar al espectador y que nos identificáramos de inmediato, por ejemplo, en la primera historia el deseo de llenar su vida con el complemento de una pareja causa que “el joven” baje la guardia ante los peligros que lo atemorizan en el mundo “real”. (Tratando de no contar la historia) el peligro termina asechándolo desde su más grande pasión.

La película maneja muy buenos tiempos en cada una de las historias y con su apenas hora y media de duración no cansa en ningún momento.

Cabe destacar el diseño de personajes y la soltura con que los directores y animadores decidieron desarrollar la animación con una brutalidad tal que es poco concebible en una película de esta técnica. El detalle (sobre todo en la historia del viejo y los cuatro perros) deja muy poco a la imaginación y cuando el espectador espera encontrarse con un corte de toma que termine con el sufrimiento, el director decide dejar el plano secuencia de la tortura vivida por los personajes de forma amarga y cruda como, supongo, debería serlo si se viviese en la realidad.

Así pues la brutalidad y lo paranormal son dos elementos muy importantes en esta película, en los que se basa la mayor parte del suspenso creado a lo largo del filme. Hablando un poco de la historia del niño en el pueblo, donde el suspenso parece dar el giro más importante a lo largo de toda la producción, la creatura que asecha es el soporte principal en esta trama de ritmo controlado que sin percatarnos nos va llevando de la mano a un desenlace inesperado.
La película es altamente recomendable tanto para quienes gustan del género de terror como para los afines a la animación, y de nuevo a propósito de su buen ritmo y corta duración recomendable para cualquier cinéfilo en general.

por Daniel

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M. Night Shyamalan

"It's human nature. Twenty-six people love the movie, and the 27th person hates it, and the only thing you can think about is the 27th person."

Nació en la India, aunque creció en Penn Valley Pennsylvania un suburbio de Filadelfia EU, a los ocho años le regalaron una cámara de ocho milímetros en lo que sería su primer acercamiento al cine, a los 17 años había realizado 45 películas caseras, estudió en la escuela Tisch de las Artes de la Universidad de Nueva York.

Su primer largometraje “Praying with Anger” (1992) está basado en el primer viaje que realizo de regreso a la India desde que su familia emigrara a los EU.

M. Night Shyamalan es un director que vino a reestructurar el cine de suspenso con un montaje de cámara renovador para el género, así como consolidando un estilo propio que podría considerarse incluso cine de autor (como el mismo a expresado es su propio deseo).

Las características más sobresalientes del cine de Shyamalan son los planos largos, un final inesperado, la presencia de dos individuos comunes con habilidades extraordinarias, la conexión entre el personaje principal y un niño, así como el manejo de una tragedia en la vida de este mismo personaje, el elemento del agua es de mucha importancia en las películas de Shyamalan y por lo general se relaciona o gira en torno a la debilidad del protagonista, (no necesariamente de forma física).

Aunque las producciones de Shyamalan han venido a menos es importante mencionar lo logrado con sus tres primeras películas con una casa productora:

“El sexto sentido” (1999) renovó por completo el interés de una generación por consumir cine de este género al presentarnos una película entrañable, carente de villanos donde el peso de lo sobrenatural balancea el filme entre el terror y el drama.

“El protegido” (2000) una película de superhéroes contada desde un punto de vista muy humano, donde los superpoderes no son infranqueables y el protagonista demuestra tener muchas debilidades, aterriza de una forma muy acertada un mundo mágico y con muchos partidarios a un nivel al alcance de cualquiera.

“Señales” (2002) a diferencia de lo que muchos podrían pensar esta película no es de extraterrestres… o por lo menos no lo es su tema principal, es una película sobre fe, una muy interesante producción que plantea un punto de vista poco usual para este tipo de producciones.

Si bien el manejo de la narrativa en estos filmes es original, innovador y atrayente el estilo de Shyamalan decae un poco a partir de su siguiente producción, “La aldea” (2004) aunque las características mencionadas arriba se mantienen en su mayoría, tal vez el hecho de resolver el elemento sobrenatural del filme de forma muy terrenal termina por descomponer la narrativa a la que nos tenía acostumbrado el director. Es posible que esto se deba a que sus primeras producciones fueron trabajadas durante años, mientras que, “La aldea”, una vez terminados sus guiones originales, no contó con el mismo tiempo de preparación.

Un par de años después Shyamalan se presentó con una producción de fantasía urbana “La dama del agua” (2006) que decae por completo en cuanto a la narrativa innovadora presentada en sus inicios, de nuevo dos años después Shyamalan estrenó “The Happening” (2008) una película donde si bien el elemento sobrenatural está bastante bien trabajado, no es así el diseño de personajes que decaen, convirtiendo el filme en “un montón de cosas que pasan” carente por completo de una catarsis con la que pudiéramos familiarizarnos.

Después de estos fracasos a Shyamalan se le dio la oportunidad de dirigir una superproducción basada en la serie animada “Avatar” del canal Nickelodeon “El último maestro aire” (2010) aunque la película es buena, difícilmente iba a superar el diseño manejado en la serie. Sin embargo fue un importante experimento para el director quien menciono “haber tenido que empezar desde cero y aprender desde el inicio a manejar una narrativa comercial.”

Es un punto muy importante que haya entendido que el estilo de la historia no permitía que fuese de forma diferente, que realmente se haya comprometido con el trabajo y terminara presentando una película de buena calidad.

Aunque el trabajo del director notoriamente ha venido a menos es importante mencionar que el diseño de su narrativa original fue tanto innovadora como cautivadora.

En más de una ocasión ha demostrado tener talento y solo podemos estar expectantes a que, tal vez, luego de un periodo de reconciliación con sus ideas y un momento creativo, nos devuelva a ese mundo de sucesos paranormales al que nos había acostumbrado, donde nada está escrito y nuestras emociones navegan entre el asombro, la afección y el miedo.

por Daniel

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THOR

“Courage is inmortal”

Al parecer Marvel por fin se está deshasiendo de esa ideología de hacer películas de superhéroes para un público infantil, a pesar de haber sido comprado por Disney, este año nos presenta una de sus producciones más serias en cuanto a temática y narrativa.

Thor es una muy buena producción que sabe mezclar con buen ritmo un excelente diseño de personajes con buenas interpretaciones actorales así como una narrativa creativa, todo enmarcado por un diseño de arte como pocas veces podemos ver, porque, a pesar de que cada vez nos llenan las salas más y más con superproducciones épicas que involucran dioses antiguos y escenarios mágicos y espectaculares, Thor viene a innovar con la dirección de arte mostrándonos un Asgard con mucho color sin llegar a lo ridículo, imágenes con mucha carga visual en el reino de Odín que realmente te dejan sentir la magnificencia del Dios normando.

La película tiene un ritmo acelerado pero controlado, la historia no da saltos descomunales y todo fluye en general con buena simetría.

El diseño de audio, la fotografía y el diseño de arte es implacable, cabe destacar que las escenas de acción no son incomprensibles y la narrativa es bastante buena. La música es buena aunque solo funciona de forma complementaria y carece de un tema con el que pudiéramos relacionar al personaje.

Considero que Thor tiene todo lo necesario para gustar tanto a fans del comic como a público en general sin embargo la producción no sale exenta de bajas.

El hecho de manejar un ritmo tan acelerado provoca que el tiempo dedicado a que el espectador se identifique con los personajes se reduzca, haciendo que varios de los mismos pasen como una embarrada en la película, aunque la producción resuelve esto de buena forma y realmente no se resiente en la historia principal sí es notorio que muchos de los diálogos son muy concisos y al grano por lo mismo de la reducción de tiempo.

La historia sufre de un golpe muy importante al hacer el desenlace un tanto deducible (la típica historia del héroe) sin embargo el ambiente creado al rededor de los personajes principales, la acción y el misticismo manejado te hacen olvidar que conoces el desenlace desde antes de mitad de la película y te absorbe el deseo de ver a Thor repartiendo golpes indiscriminadamente.

Otro punto importante de la película es que se nota la preocupación de los productores por empezar a enmarcar la próxima película de “The Avengers” y no solo se detienen a mostrar un pequeño clip al final del filme (que por cierto si lo incluye) como en sus predecesoras.

Es importante mencionar que si bien el estilo narrativo fantástico y mágico un tanto infantil, que tanto Marvel como Disney han manejado desde sus inicios, se mantiene; con Thor han sabido aterrizarlo al hacer una narrativa más seria y atrayente a un público adulto dejando de lado los chistes burdos y los diálogos triviales.

En general la película es bastante buena y la considero junto con Iron Man (2008) las más importantes producciones de esta famosa casa editorial, y eleva muchísimo las expectativas hacia la producción de “The Avengers”.

por Daniel
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Agua para Elefantes

Basada en el libro Water for Elephants escrito por Sara Gruen, su adaptación al cine corre a cargo del director Francis Lawrence (Constantine y I Am Legend), este es un drama en el que se desarrolla un triángulo amoroso rodeado del mundo mágico circense.

Jacob Jankowski (Robert Pattinson) es un joven estudiante de ciencias veterinarias con descendencia polaca, al fallecer sus padres repentinamente se queda solo, en la calle y sin poder finalizar sus estudios, sin tener a donde ir sube de polizón a un tren que resulta ser el transporte de un Circo, ahí conoce a Marlena (Reese Witherspoon), ella es el acto principal del circo y esposa de August (Christoph Waltz) dueño del circo. Al compartir su amor y compasión por los animales del circo, en especial por la elefanta Rosi, Jacob y Marlena comienzan una riesgosa historia de amor.

Agua para elefantes es una película que no le fue bien en las críticas y creo que eso fue consecuencia que no fuera un éxito en taquilla, desde mi punto de vista, el triángulo amoroso de esta historia me recordó mucho a la misma situación que se nos presenta en la película Titanic de James Cameron, sin embargo el ambiente y las actuaciones en Water for Elephants considero son mejores, el primer acierto que tiene esta película es el ambiente de fantasía real que logran al tener lugar la historia en el circo, esto inmediatamente nos remota a recuerdos e ilusiones de la infancia y nos abre un mundo donde los animales logran acrobacias equilibrado con la vida y complejidades que conlleva el mundo del entretenimiento el cual muchas veces es más difícil de combatir que la mordida de un león.

Las escenas en las que se ven los actos circenses (las cuales no son muchas) están bien logradas, transmiten la magia que un circo en vivo logra provocar. Otra cosa muy bien desarrollada en la cinta es el arte, la historia se desarrolla en los años 30’s en Estados Unidos durante la época de depresión económica, el vestuario y locaciones logran evocar muy bien este tiempo y sobre todo el circo, logran adentrarte y convencerte que aunque estamos viendo situaciones de los 30’s es algo bien que podría estar pasando en un circo de nuestros tiempos. Todo esto sirvió de ambientación para el desarrollo de muy buenas interpretaciones actorales, Resee Witherspoon nos da un muy buena interpretación de las cuales le estamos acostumbrados a ver, Robert Patinson para fortuna nos deja ver que puede lograr hacernos olvidar durante dos horas que es el vampiro mal logrado de la saga crepúsculo y por supuesto el villano de la historia Christoph Waltz se adueña de la historia.

Otra cosa que me gusto de Agua para Elefantes es que al verla no me pareció tan mala como los “conocedores” del cine la han destrozado, no es una cinta que cambiara el mundo cinematográfico, es más creo que pasara a ese montón de películas que sin pena ni gloria pasan al olvido, sin embargo las dos horas que dura te entretiene, te da una historia de amor rodeada en una época real de la historia americana pero salpicada de la magia y fantasía que el circo evoca en el niño que llevamos dentro. Esta película la recomiendo solo si tienes muchas ganas de ir al cine y ver algo con toque romántico, obtendrás a cambio de tu boleto, entretenerte un rato, ver una buena fotografía y una mejor interpretación de un triángulo amoroso que la del Titanic.

por Dulce
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U2 Rattle and Hum

Mayo será el mes de fiesta nacional para los amantes de la música en México, uno de los shows con mayor fuerza en la historia del género. Se trata de la visita de U2 con su 360º Tour, aprovechando que me toca hablar de cintas de música les voy a contar de una peli que llevó a U2 al cine de todo el mundo la cual se llama; Rattle and Hum.

La cinta fue grabada durante la gira que llevó a U2 a recorrer tierras norteamericanos durante el The Joshua Tree Tour de 1987, el encargado de dirigir las cámaras y el documental fue Phil Joanou quien es uno de los fotógrafos de cabecera de la banda desde aquella lejana década de los ochentas.

La idea de hacer esta película fue de la banda formada por Bono, The Edge, Larry Mullen y Adam Clayton quienes al tener un éxito brutal con el quinto disco de larga duración The Joshua Tree, deciden dar su primer gira mundial, pero a la vez documentar lo que pasa mientras viajan por las carreteras de un país tan rico en diversidad cultural como Estados Unidos, es la primera vez que podíamos ver a U2 como un grupo de amigos que son comunes, que se impresionan con algo que ven en las calles, se enojan, tal vez no les salen las cosas en el estudio y es donde radica la magia de esta cinta en retratar a los músicos como son.

Rattle and Hum comienza con un cover a “Helter Skelter” de The Beatles grabada en Denver Colorado, cuando uno la ve por primera vez te sorprende que U2 grabará todo en blanco y negro, la primera parte de la película son puras canciones tomadas de conciertos en arenas, entre las rolas que vemos en blanco y negro están “Exit”, “In Gods Country” y “When love comes to town” en colaboración con la leyenda de la guitarra B.B. King, entre la primera parte y algunas rolas, podemos ver a los Irlandeses en el estudio, grabando temas para lo que posteriormente sería el sexto disco de la banda que llevaría el nombre de la cinta y que se estrenaría como soundtrack de la misma.

Luego de una visita a la casa de Elvis Presley en Graceland, entra la canción de “Bad” una potente versión de una rola que nos habla de las drogas, de esta manera termina la primera parte de Rattle and Hum. La segunda parte comienza con una potente “Where The Streets Have No Name” grabada en el estadio de Tempe Arizona, un estadio al aire libre y en ese momento cambia la película a una cinta de color, lo cual es emocionante pues venimos de imágenes y canciones con mucho poder social y de la problemática que vivían los jóvenes de la época, ahí comienza la parte más política y en donde nos damos cuenta que desde siempre Bono y compañía han tenido ese discurso tan fuerte, el momento cumbre es cuando en plena gira U2 da a conocer a la audiencia una tragedia que ese mismo día pasaba en su natal Dublín con un grupo de ancianos que fueron asesinados, el momento es retratado con “Sunday Bloody Sunday” en la mejor versión que tenemos en cualquier disco o video de U2.

Para aquella época el que una banda pusiera una película en el cine podría parecer arriesgado ya que tendrías una sobre explotación de la imagen del grupo, por supuesto el proyecto llegó a las salas del mundo, pero la crítica no recibió bien ni al disco ni al documental.

Tiempo después nos encontramos con que la música y el rock le ha dado su lugar a Rattle and Hum, hoy en cualquier festival de cine de música le dan su lugar y se exhibe, fue de los primeros DVD´s de música en la historia, ahora con el Bluray pasa lo mismo, los fans también valoran las versiones de las canciones que aparecen en el documental.

El director tiene muy buenas tomas, buena narrativa, lleva un guión razonable y el cual va de la mano con la selección de las rolas que hicieron el y la banda, pero lo que más le aplaudimos es el truco de Mago de Oz de tener la mitad de la película en blanco y negro y la otra a color.

Los invito si son fans a verla de nuevo, si no conocen a U2 a que no entren por ahí a la banda, para eso agarren el disco que le siguió a la cinta que fue el Achtung Baby, y si les gustan los conciertos en video definitivamente hay que ver este documental que es una joya de la historia del rock.

por Tello

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Dejame Entrar

En lo personal las películas de vampiros se me hacen una reverenda burla al género del terror, generalmente su sentido narrativo está más dirigido a darle a esos filmes una connotación más acorde con el pseudo-romanticismo contemporáneo, pero en realidad es una manera de disfrazar una historia de amor con unos cuantos encuadres y diseño de arte propios del genero de horror, pero en realidad solo es una manera mas de vender, vender y vender.

A pesar de que a lo largo de toda nuestra historia los vampiros aparecen en diversas culturas en todo el mundo, no es sino hasta 1897 que los vampiros tomaron su modelo actual con la novela de Bram Stoker Drácula, tal vez el vampiro más famoso de todos los tiempos, y a partir de ahí se han desprendido un sin número de novelas, películas, comics, novelas gráficas, cortometrajes, caricaturas, documentales, notas periodísticas, playeras, modas, maquillajes, disfraces, pornografía, emoticones y así un gran sin número de suvenires y mercadotecnia diseñada solo para vender y explotar.

Pero partiendo del principio histórico de que los vampiros en la cultura medieval del este de Europa, los vampiros eran un símbolo de maldad, del lado oscuro, el diablo en persona poseyendo el cuerpo de un cadáver y levantándolo para matar y atormentar familias en los pequeños y grandes poblados medievales. En el folklor clásico los vampiros tenían ciertas limitaciones, un vampiro primero visitaba a su familia, a veces era a estos a los que atormentaba, y en ocasiones los obligaba a cometer homicidios para satisfacer su sed de sangre; También podían convertirse en seres oscuros, como lobos, ( de ahí las leyendas de los hombres lobos y los vampiros); Pero una característica muy curiosa es que un vampiro no puede entrar a tu casa si tu no lo invitas a pasar y he aquí donde para la premisa de la película de Tomas Alfredson, Déjame Entrar.

La película se sitúa en una comunidad sueca, en un conjunto habitacional parecido a los que abundan en México, la cotidianidad del ambiente, nos identifica directamente con la atmosfera de una sociedad medio-burguesa, esto logra que el filme a pesar que presenta escenarios completamente nevados y ajenos a nuestros calurosos inviernos nos envuelva por completo con solo apreciar la fotografía. Y sin embargo no solo se queda ahí, la trama no es la clásica historia de vampiros a la que estamos acostumbrados, es una propuesta que va más allá a lo que Hollywood con toda su basura nos ha acostumbrado.

Igual que casi todas las historias de vampiros actuales, Déjame Entrar es también una historia de amor, es totalmente original, no se centra en el perdido amor de una adolescente confundida que es atraída por el afeminado cuerpo de un vigoroso vampiro que brilla como diamantina a la luz del sol. Déjame Entrar es una película tradicional, que está realizada sin pretensiones la sencillez de la trama, es tan común que estoy seguro que en su inocente narrativa el mensaje es una idea por la cual todos pasamos cuando niños.

Al ser una película extranjera, en este caso Sueca, podríamos pensar que es cine de arte, conceptual europeo, que tiende a tener un mensaje abierto y crudo, realista y muy objetivo centrado en el pensar del director que produjo el filme; pero no es así, tenemos que aprender a ver cine de todas parte del mundo, y no nada más tragarnos los huesos que los norte americanos nos avientan, Déjame Entrar es un filme comercial, con un concepto narrativo muy típico del cine en el viejo continente, con tomas serias y refinadas, que van presentando y descubriendo personajes y atmosferas paso a paso, tomándose su tiempo para contar una parte de su tradición y su cultura.

Cuando pensamos en vampiros la primera idea que probablemente nos salte a la mente, es crepúsculo y toda su mercadotecnia, pero lo más importante de nuestra entrega de terror de aniversario, es que tanto como Tomas Alfredson (director) y John Ajvide Lindqvist (escritor del guión y de la novela original de donde se basa el filme) plasman en la pantalla lo que es sin duda un pedacito de la rica cultura clásica europea; contándonos un verdadero y clásico cuento de vampiros del más puro estilo medioevo aterrizado en nuestra realidad contemporánea.

por CésaR

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Glen o Glenda

Cuando hablamos de cine raro, extraño, marciano y de culto, el que se puede considerar el santo patrono indiscutible es Ed Wood. Éste hombre se hizo de una reputación bien merecida como el peor director de cine de todos los tiempos. (por lo menos para los gringos) Seguramente muchos lo recuerdan por la película biográfica que le dedicó Tim Burton, aunque, a decir de varios de los involucrados en la vida real, esa es una versión muy endulzada y ligerita de lo que la vida y obra de este demente del cine. La película de este mes, su opera prima, es una colección casi completa de sus manías, creencias y fobias.

Esta es una historia que además pretende ser documental, manifiesto social, cine de arte y soft-porno. La locura comienza con un narrador echándose un discurso en defensa de los derechos de los travestis. Así es. En un tiempo en el que el más sencillo acto de intimidad heterosexual era un tema tabú en el cine norteamericano, Ed se lanzó a filmar una película en defensa de los hombres aficionados a vestirse con ropa femenina. Bela Lugosi, el ahora famosísimo Drácula, aparece como una especie de científico loco o brujo siniestro mezclado con observador del universo. Él, hablando con un lenguaje críptico que pretende homenajear a Poe y termina sonando como un predicador borracho, nos introduce en los rincones oscuros de nuestro mundo, a donde los hombres con placeres "especiales" deben ocultarse para sentirse seguros.

Luego seguimos la investigación de un caso de nota roja, donde un travestido aparece muerto en un cuarto de hotel. El detective a cargo del caso se entrevista con un psicólogo, quien a su vez nos introduce en OTRA HISTORIA COMPLETAMENTE DIFERENTE. la historia (¡al fin!) de GLEN, interpretado por el propio Wood, un respetable joven a punto de contraer matrimonio con su amada novia, pero que sufre un gran conflicto existencial debido a que ella todavía no conoce su secreta afición a vestirse con suéteres de angora y coquetos zapatitos de tacón.

Y entonces, la película entra en su mejor parte. De un salto nos adentramos en la psique de Glen y somos testigos de una larga secuencia de imágenes surrealistas y pesadillezcas. Glen se imagina su vida futura, con su secreto a cuestas, con el mismísimo Satanás acechando su matrimonio, con Bela aventándole sus culpas a la cara, con... escenas de rubias sodomizadas que no tienen nada que ver... pero que están ahí por una razón que solo Ed sabía... y con Glen en medio del vórtice de pánico y locura, ataviado con su suetercito y su sombrero afelpado.

Hay que reconocer que Ed tuvo una ambición gigantesca al filmar esta cosa. Se entiende su mensaje de fomentar la tolerancia, aunque al final el tema le queda demasiado grande para su incompetencia de cineasta. ¡Pero que rayos! Esta película es tan absurda, tan demente, tan fuera de todo límite que es imposible no disfrutarla en toda su frikidéz. No por nada DAVID LYNCH, un célebre del surrealismo contemporáneo, la nombra como su película favorita. Así que, cuando anden en la oscuridad, tengan cuidado con el gran dragón verde a la puerta de la casa, el que come colas de cachorritos y caracoles grandes y gordos. Dejen la imaginación suelta y los zapatos de tacón en el closet. Que nada salga del closet esta noche. ¡Muajajajajaja!

por Abel
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Buda Explota de Vergüenza

El film nos relata una historia llena de verdad, una realidad de cómo viven muchas familias Afganas; la historia comienza con la imagen de los Budas gigantes de Bamiyán, esculpidos en arenisca que fueron destruidos por el régimen Talibán, impregnando un entorno de odio y violencia.

Una niña llamada Baktay de seis años, sueña con ir a la escuela, aprender a leer y escribir, su interés se centra a partir de oír a un niño repasar el alfabeto y leer la historia de un hombre; “un hombre sentado debajo de un árbol a quien le cae una nuez en la cabeza y piensa “qué bueno que no fue una calabaza”, entonces comienza un camino demasiado largo y difícil, una travesía amarga para pretender realizar su sueño.

La pequeña Baktay trata de comprar un cuaderno y un lápiz mientras se encuentra en un camino lleno de peligros; el caminar sola entre rocas y arena tratando de mantener el equilibrio en donde se ven enormes voladeros y espacios profundos, que pasa desapercibido en su forma de vida, sin embargo se da cuenta que comprar un simple cuaderno y un lápiz es más complicado de lo que ella pensaba, para lo cual necesita dinero, y sabe que no lo tiene, el ingenio de la niña para comprar lo que necesita, es entrar en una gran batalla, una vez que lo logra después de un enorme esfuerzo y una serie de vivencias, se topa con un grupo de niños que “juegan a la guerra haciéndose pasar por Talibanes, tomándo a Baktay como prisionera, entonces la niña se da cuenta que no es la única, otras niñas antes que ella fueron atrapadas llevando consigo una bolsa en la cabeza simulando tener una Burka.

Nos encontramos con una extraordinaria película, por el manejo de metáforas que son demasiado obvias junto con un ligero humor que envuelve y suaviza el drama, en algunos momentos de tensión te hará sonreír, y siempre te cautivará, pero una vez que analizas el mensaje que existe detrás de la historia, y el sentido que le da Hana Makhmalbaf quién dirigió la película, te muestra su lado oscuro, el horror y el sometimiento en que se ven envueltas las mujeres, el vacio en las miradas, la lejanía del amor, la desesperación, las pocas oportunidades y derechos para poder estudiar, “sueños que se derrumban”.

Hay una frase que quedó muy grabada en mi memoria, algo que centró mi atención más que otras “solo si mueres serás libre”, una frase terrible para estar dentro de un juego de niños…

Las actuaciones son demasiado transparentes, y en mi opinión la niña que personifica a Baktay te roba el corazón desde el primer momento tras reflejar su inocencia, y ternura. La película nos retrata como los niños palpan el odio que reciben desde muy pequeños al ser esponjas que absorben todo lo que ven, lo que oyen y lo que hay a su alrededor, nos permite ver una sociedad tal vez lejana y diferente a cómo nosotros vivimos y que solo por medio de películas como estas sientes a flor de piel él dolor y la amargura que existe en la vida de muchas familias, enfatizando una vez más el entorno en el que subyacen los niños. Yo recomiendo ver esta película, siento que tiene un toque muy especial al mantener un humor demasiado inocente y a la vez turbio, pero lo que vale la pena en ésta cinta, indudablemente es el mensaje que nos proyecta.

por Lídize
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